Rembrandt ( 1606-1669)
Le festin de Balthazar
1635
Huile sur toile
Dim 209,2 x 167,6 cm
Conservé à la National Gallery de Londres
Le peintre
L’œuvre de Rembrandt fut longtemps définie par sa biographie : une naissance humble d’un père meunier, un premier mariage heureux suivi de tragédies personnelles, des dettes accumulées menant à la banqueroute, puis la mort dans le dénuement.
Autour de 1620, il a commencé un apprentissage avec Jacob van Swanenburg à Leyde.
En 1624, il est à Amsterdam et étudie avec Pieter Lastman.
En 1625, de retour à Leyde, il établi son propre atelier et le partage avec l’artiste Jan Lievens.
En 1631, il s’installe à Amsterdam et devient un portraitiste prospère.
Bien qu’il refusa de faire le voyage en Italie, il connaissait les clairs-obscurs dramatiques de Caravage par l’intermédiaire des disciples de ce dernier à Amsterdam.
Ses expérimentations infatigables, à la fois en matière de technique et de représentation narrative, le distinguent de ses contemporains.
Le désir d’expérimenter et la volonté de rester fidèle au monde qui l’entoure et à sa vision personnelle le poussèrent à repenser le sujet de chaque nouvelle toile, ouvrant ainsi de nouvelles possibilités à la narration picturale.
Première période 1625-1635, influence de Lastman.
Période mâture 1635-1650, caractérisée par la maîtrise de clair-obscur, son travail de pinceau devient plus lâche.
Période tardive 1650- 1669, retour à une palette plus sobre se concentrant sur des portraits intimes et des scènes bibliques reflétant les luttes personnelles et les réflexions spirituelles.
Le tableau
Ce tableau est inspiré par le récit biblique du Livre de Daniel dans le premier Testament.
On voit le roi Balthazar déchiffrant une inscription mystérieuse sur un mur.
La toile a été la propriété du comte de Derby au Knowsley Hall à partir de 1736, mais était très peu connue hors d’Angleterre et n’a été reconnue que tardivement comme un chef-d’œuvre.
Après l’acquisition du Festin de Balthazar par la National Gallery en 1964, le tableau est devenu très populaire et a été utilisé à plusieurs reprises comme illustration pour des produits commerciaux tels que des pochettes d’albums.
En 2014, le tableau est devenu l’une des trois toiles de la National Gallery les plus reproduites.
Composition
L’histoire raconte comment le roi Balthazar profane les objets sacrés du Temple de Jérusalem lors d’un grand festin pour lui-même et ses invités.
Les matériaux de peinture utilisés par Rembrandt et sa technique de peinture dans ce tableau sont à la fois exceptionnels et ne se comparent à aucune de ses autres œuvres.
Le tableau présente une palette de couleurs riches et variées, avec des tons terreux profonds dominant le fond et des teintes vibrantes ornant les vêtements élaborés des personnages. Les bruns et ors chauds contrebalancés par quelques bleus et rouges, renforcent l’impression d’opulence et de chaleur étouffante du banquet.
Rembrandt varie fortement l’épaisseur de la peinture, certaines zones sont peintes en couches fines et transparentes (glacis), d’autres en empâtements épais modelées au pinceau voire incisées.
Les tissus somptueux, le bijou central sur la poitrine du roi, certaines perles et reflets métalliques sont rendus par des couches épaisses de peinture claire que le peintre sculpte littéralement puis strie avec un instrument pointu pour suggérer les reflets.
À l’inverse, les figures secondaires et le fond sont traités plus minces, avec des glacis transparents brun-doré posés sur la sous-couche, ce qui les enfoncent dans l’ombre et laisse toute la netteté au roi et aux éléments essentiels de la narration.
Le détail minutieux des tissus, les accents métalliques et d’autres objets témoignent du talent exceptionnel de Rembrandt pour rendre les textures.
Son souci du détail ajoute une sensation de réalisme et d’opulence à la scène.
Les ors, les brocarts, les perles et les coupes renversées sont rendus avec une précision presque tactile, ce qui donne plus de poids à leur profanation et au renversement symbolique du pouvoir (la coupe retournée annonçant le renversement du royaume).
Les lignes organiques (courbes des corps, contour des draperies, volutes des coupes) dominent sur les lignes géométriques, renforçant le caractère vivant et chaotique de la scène.
Rembrandt crée la profondeur par une combinaison de perspectives (table oblique) de diminution des contrastes et des détails vers le fond et d’un dégradé de la couleur du rouge chaud au brun, puis au presque noir pour les figures les plus éloignées.
Le contraste entre la texture très travaillée du manteau du roi et la relative simplicité de certains visages secondaires accentue la hiérarchie visuelle et dramatique de la scène.
La lumière entre par la droite dans ce tableau.
Rembrandt utilise la lumière avec une grande habileté pour mettre en évidence les détails importants et renforcer l’effet dramatique de la scène.
Le regard de Balthazar est interrogateur, ses yeux sont grands ouverts.
Les visages de ses invités sont tous surpris, yeux grands ouverts et bouches ouvertes.
Rembrandt use d’un clair-obscur très marqué, un faisceau de lumière chaude éclaire le roi et la table, tandis que l’écriture, d’un blanc presque surnaturel, semble émettre sa propre lumière froide, isolant le miracle dans la pénombre.
Balthazar porte un habit de brocart bordé de fourrure, et une impressionnante coiffure faite d’un entrelacs de rubans, c’est un turban oriental, sur le quel est accrochée une couronne . Il préside un banquet qu’il a ordonné avec la vaisselle sacrée du temple de Jérusalem.
Au moment où, à sa droite une servante allait lui verser à boire, une main surnaturelle inscrit en lettres lumineuses sur le mur derrière lui une formule mystérieuse que seul le jeune prophète juif Daniel, saura interpréter.
Cet apparat donne un souffle théâtral à la scène.
Le moment choisi par Rembrandt est le moment où Balthazar se retourne pour lire l’inscription, que la main achève de tracer. Dans son geste de la main gauche, il déséquilibre la servante, qui renverse le vin sur sa manche.
Rembrandt choisi le moment le plus théâtral.
Le geste de recul du roi, sa bouche entrouverte, exprime la terreur plutôt que la puissance.
Les personnages sont représentés avec une grande précision anatomique et émotionnelle, exprimant les différentes réactions humaines face à l’annonce du jugement divin. Les convives serrés autour de lui, forment un arc de figures effrayées ou stupéfaites, leurs regards convergent vers le texte lumineux.
En renforçant les contrastes, Rembrandt donne du volume aux figures et de la charge émotionnelle à leur réactions.
Le tableau superpose deux plans, le plan traditionnel délimité par le manteau de Balthazar, sépare un espace restreint, occupé par le roi et par la servante, du plan à gauche, où sont représentés les invités.
Un troisième plan est le plan de projection que forme en haut à droite le mur, avec son inscription lumineuse.
L’espace est relativement clos et sombre, saturé de textiles, d’orfèvrerie et de vaisselle luxueuse, accentuant le contraste entre le faste éphémère du banquet et la brutalité du signe divin qui transperce la scène.
La main de Dieu est une main droite disposée à gauche, comme celle de Balthazar. La main n’écrit pas en face d’elle, mais en aveugle.
Rembrandt signifie par là que Dieu est derrière l’écran, et conçoit les lettres lumineuses comme des fentes de derrière lesquelles la lumière divine irradie.
Dieu prophétise la chute du règne de Balthazar.
Analyse
Rembrandt a peint Le festin de Balthazar au début de sa première période de maturité, alors qu’il était fasciné par le rendu de la raideur du mouvement.
À cette même époque, il était également passionné par la richesse, la diversité des couleurs et la texture des costumes exotiques de l’Orient.
Rembrandt mène des expériences sur la représentation de l’émotion par le geste et l’expression.
Rembrandt a choisi de représenter ce moment décisif avec une ambiance dramatique et une maîtrise technique extraordinaire.
La lumière joue un rôle important dans la composition, mettant en valeur le visage effrayé de Balthazar et la surprise des convives.
La texture et les détails des objets sur la table sont également très minutieusement représentés, montrant le savoir-faire artistique de Rembrandt.
Le tableau suscite de nombreuses interprétations sur différents aspects, tels que la morale, la vanité et le repentir.
Le festin de Balthazar est un exemple remarquable du génie de Rembrandt dans la création de scènes dramatiques et chargées d’émotion.
En buvant du vin dans des vases sacrés, les invités blasphèment le Dieu des juifs.
Les mages de Balthazar n’ayant pu interpréter l’apparition, ce n’est que lorsque le prophète Daniel fut appelé que la lumière fut faite sur l’importance de l’évènement.
Daniel fournit l’interprétation de l’inscription : « Dieu a compté les jours de ton royaume, et il y a mis fin ; Tu as été pesé dans la balance et trouvé insuffisant ; ton royaume a été divisé et donné aux Mèdes et aux Perses. »
Le tableau illustre le thème de la vanité des puissants : la richesse, la gloire et les idoles ne protègent pas de la justice divine, qui surgit ici sur le mur, présage inéluctable de catastrophe.
Le sacrilège : le roi utilise les vases du Temple pour un banquet mondain et idolâtre.
Cela justifie la condamnation, la fête devient scène de jugement et la peur de Balthazar visualise la prise de conscience brutale de sa faute et de la fragilité de son pouvoir.
Pour un public protestant du XVIIe, la scène pouvait rappeler la nécessité d’humilité et d’authentique piété face au luxe ostentatoire et à l’arrogance politique, faisant du tableau une méditation morale autant qu’un spectacle historique.
Rembrandt maitrise le style baroque : sa composition est dynamique, son intensité émotionnelle profonde et le peintre a le souci minutieux du détail.
Ce récit puissant est rendu vivant par la représentation habile de Rembrandt des émotions humaines et de l’éclairage dramatique.
Cette scène biblique capturée par Rembrandt incarne les préoccupations esthétiques et philosophiques de son temps, C’est une œuvre baroque.
Rembrandt utilise des contrastes saisissant entre la lumière et l’ombre pour créer une sensation de profondeur et de drame.
Balthazar est illuminé par une source de lumière forte provenant du haut à droite attirant l’attention du regardeur sur l’inscription mystérieuse sur la muraille.
Ce jeu de lumière intensifie l’intensité émotionnelle de la scène, en faisant un point focal captivant pour tout l’espace.
Par ses choix techniques, Rembrandt transforme un épisode biblique en spectacle visuel total où la matière picturale elle-même participe à la tension entre faste terrestre et irruption du jugement divin.
En donnant à cette clarté un caractère froid et presque métallique distinct de la chaleur dorée du banquet, Rembrandt signale qu’il s’agit d’une lumière d’un autre ordre, non physique mais divin, ce qui lui confère un aspect surnaturel.
Rembrandt a une profonde compréhension de l’âme humaine.
Ce tableau reflète l’ambition de Rembrandt d’établir sa réputation comme peintre de grandes œuvres historiques.
Ce tableau ne capture pas seulement un moment clef de l’histoire biblique mais témoigne également de la prouesse artistique de Rembrandt et de sa capacité à transmettre des récits complexes par le biais de l’art visuel.
L’intensité émotionnelle de ce tableau en fait une œuvre captivante.
La composition dramatique, la palette de couleurs riches et les détails minutieux créent un sentiment d’émerveillement et de fascination.
Ce tableau captive les regardeurs.
Rembrandt cherche à s’imposer comme maître des grandes compositions dramatiques à Amsterdam.
L’œuvre montre sa maîtrise du clair-obscur, son intérêt pour les textures et les physionomies, ainsi que sa volonté d’ancrer les récits bibliques dans une observation vivante de l’humanité, notamment par les contacts avec la communauté juive de sa ville.
Conclusion
Rembrandt est une figure incontournable du siècle d’or néerlandais.
Le festin de Balthazar conservé à la National Gallery de Londres, le tableau est regardé comme un sommet de sa manière théâtrale des années 1630, avant le style plus intériorisé et méditatif de ses œuvres tardives.
Son histoire de vie, marquée par les succès et les difficultés, en fait une figure fascinante dans l’histoire de l’art.
Rembrandt reste un symbole durable de la dévotion au métier, même au milieu de défis personnels.
Son impact sur les générations futures est incommensurable.